Giras en Español: Más arte. Más conexión.

Metaphor | Giras en Español

📅 Jueves, 19 de marzo | 5 PM
📍 Lancaster Museum of Art & History (Museo de Arte e Historia de Lancaster / MOAH)
665 W Lancaster BLVD, Lancaster, CA 93534

Descubra las exposiciones de Metaphor a través de un recorrido guiado completamente en español. Como parte de Giras en Español: Más arte. Más conexión., este recorrido gratuito está diseñado para crear una experiencia de museo más inclusiva y acogedora para la comunidad hispanohablante del Valle del Antílope y más allá.

✅ Entrada gratuita con reservación. Asegure su lugar con anticipación.

Nathan Huff: Heavy Hope

Nathan Huff: Esperanza pesada

Nathan Huff: Esperanza pesada presenta una selección de obras de la diversa práctica artística de Nathan Huff, incluyendo obras sobre papel, escultura e instalación. La obra de Huff entrelaza memorias personales e historias emotivas en narrativas inesperadas que adoptan la forma de dibujos e instalaciones. Muchas de las obras exhibidas surgen de una exploración de las pausas y los silencios fragmentados en las conversaciones, que Huff percibe como espacios de nuevas posibilidades. Para llenar estos vacíos, crea diálogos visuales entre objetos aparentemente no relacionados, invitando a la recontextualización y el descubrimiento. Su práctica examina el equilibrio y el control, a menudo interrumpiendo espacios domésticos familiares con formas naturales como árboles, rocas y cielos para evocar tensión entre lo orgánico y lo construido. Partiendo de la historia personal, los vuelos imaginativos y la metáfora poética, la obra de Huff desafía la narrativa lineal, creando oportunidades para el asombro que surge de lo imprevisto.

Dar testimonio traza la evolución y la influencia del tejido, como forma, imagen y proceso, a lo largo de la práctica artística multidisciplinaria de Sharon Kagan en las últimas dos décadas. Kagan comenzó a tejer como manera de sentirse cerca de su madre, una ávida tejedora, tras su fallecimiento. Poco tiempo después, Kagan creó una rueda cromática tejida titulada Eins un Tsvei (2003) y declaró el tejido como su nuevo medio. Desde entonces, el tejido ha permanecido como un elemento central en la obra de Kagan, empleado como una alegoría de la interconexión, la transformación y el trauma intergeneracional. Para Kagan, cada puntada representa una vida individual, entrelazada e indivisible del tejido más amplio de la humanidad. Abarcando diversos medios, entre ellos dibujo, pintura, escultura, performance e instalación, la exposición mantiene su enfoque sostenido en el tejido como símbolo de comunidad y relacionalidad.

Imitando los restos de un desastre doméstico, la instalación Pila de quema / Todo tipo de murmullos aquí y allá de Bachrun LoMele yuxtapone objetos de recuerdo de la cultura estadounidense con escenas de ruina para explorar el desastre, la conmemoración y las contradicciones de la búsqueda de la verdad. Esta instalación específica del sitio continúa la serie en curso Burn Pile (Pila de quema) de LoMele, que utiliza la metáfora visual para interrogar la complejidad de la verdad. Para crear Burn Pile (Pila de quema), LoMele recopiló verdades anónimas de residentes del Valle de San Joaquín y las mezcló mediante un algoritmo de aleatorización, explorando cómo la tecnología distorsiona el significado y difumina la línea entre la realidad y el artificio. Estas declaraciones fragmentadas están inscritas en los objetos de papel maché de la instalación, en tablones de madera imitativa, en el cableado eléctrico y en letreros LED con desplazamiento de texto. Las estructuras precarias y los objetos fabricados de la instalación refuerzan la tensión entre el hecho y la ilusión, subrayando la inestabilidad de la verdad a través de su materialidad.

Vojislav Radovanović: Fábulas del valle intermedio reúne pinturas, esculturas, video e instalaciones de dos cuerpos de obra recientes que se definen por temas de santuario queer, narración mítica y simbolismo transformador.

En su serie Bird Circuit (Circuito de aves), Radovanović se apoya en la historia de los bares queer de mediados del siglo ** con nombres inspirados en aves. Esta red oculta de espacios que ofrecían refugio y resistencia en ciudades como Los Ángeles y Nueva York es reinterpretada a través de paisajes oníricos y lúdicos, ricos en imaginería aviar y colores vibrantes. Las pinturas, que abarcan múltiples lienzos unidos, presentan figuras humanas y animales que se fusionan con los paisajes. Capas de simbolismo son cubiertas con nueva pintura y luego raspadas selectivamente para revelar rastros de lo que existía antes. Este acto de ocultamiento y revelación refleja su investigación conceptual más amplia sobre la visibilidad y la transformación.

Mientras Bird Circuit (Circuito de aves) retrata paisajes imaginarios moldeados por la migración, la resiliencia y la búsqueda de pertenencia, las obras de la serie Playground at The Abandoned Chapel (Parque infantil en la capilla abandonada) amplían esta exploración hacia una mitología personal. Creadas originalmente como parte de una instalación específica del sitio entre los escombros de una escuela abandonada en el Valle del Antílope, estas obras transforman los materiales y las historias de la región en relatos simbólicos de metamorfosis, sanación y renovación. En conjunto, las dos series de la exposición entretejen historias reales e imaginadas en una narrativa que explora la identidad queer, la salud mental y la comunidad.

Esta exposición sigue el recorrido de descubrimiento del artista Francis C. Robateau Jr., trazando su ascendencia beliceña estadounidense y su impacto en su práctica artística. Historias en semitonos explora la memoria, la migración y la identidad a través de obras en capas que incorporan serigrafía, collage, pintura e instalación. El título de la exposición hace referencia a una técnica de impresión en la que se utilizan puntos de distintos tamaños, dispuestos en diferentes configuraciones y densidades, para simular sombras y crear una imagen. Robateau implementa el proceso de semitono, junto con otras técnicas como el frotado y el lijado, para añadir textura y profundidad a su obra. Estas estrategias materiales también funcionan como metáforas de los pequeños descubrimientos, los puntos de tensión y las exploraciones personales que se unen para formar la historia, la cultura y la comunidad de una persona. A través de la repetición y la tensión entre la visibilidad y el borrado de las marcas, las obras incluidas invitan al espectador a presenciar cómo las historias y las identidades se construyen, se ocultan y se reclaman.

Brian Singer: Fue un placer quemar presenta una selección de obras de la serie Book Banning (Prohibición de libros) de Brian Singer, en la que el artista confronta la creciente ola de prohibiciones de libros en escuelas y bibliotecas estadounidenses, especialmente aquellas dirigidas a voces BIPOC y LGBTQ+. Singer crea las piezas escultóricas murales que se exhiben a partir de páginas de libros prohibidos, tanto clásicos como contemporáneos, y de textos religiosos, cortándolas en diversas formas y configuraciones que representan la multiplicidad de perspectivas que contienen. Las composiciones aluden al poder de las palabras y a la transformación de los medios físicos, al mismo tiempo que llaman la atención sobre el impacto que la literatura puede tener, tanto como herramienta de activismo como espacio de controversia, especialmente en torno a la supresión de narrativas. Entre los títulos de libros utilizados para estas obras se incluyen The Bluest Eye (Ojos azules), The Perks of Being a Wallflower (Las ventajas de ser invisible), All Boys Aren’t Blue (No todos los chicos son azules) y The Adventures of Huckleberry Finn (Las aventuras de Huckleberry Finn), lo que subraya la lucha continua por la libertad intelectual y el derecho a acceder a historias diversas.

Diane Briones Williams: The Precarious Life of the Parol

Diane Briones Williams: La vida precaria del parol

En La vida precaria del parol, la artista de medios mixtos Diane Briones Williams investiga las complejidades de recuperar memorias culturales perdidas a través de su investigación sobre el parol, una linterna navideña ornamental con forma de estrella que se cree se originó durante la era colonial española. Williams vincula los orígenes inciertos del parol con los legados coloniales que han provocado una ausencia desproporcionada y la alteración de la identidad e historia filipinx en la cultura filipinx contemporánea. Los tapices textiles de pared, las obras suspendidas y los tejidos escultóricos autoportantes en la exposición actúan como un conjunto de relatos no lineales que sustituyen a estas historias subrepresentadas y ocultas, haciéndolas visibles. Mediante la integración de materiales culturales como latas de Spam, íconos religiosos, flores tejidas a crochet, bolsas de supermercado de mercados de inmigrantes, los vestidos de su madre y envolturas de golosinas de la infancia, junto con capas de pinturas vibrantes y telas coloridas, su obra monumentaliza aquello que a menudo se descarta como desechable. Estos materiales funcionan como portadores tanto de historias coloniales como de parentesco colectivo, cultivando un lenguaje visual que invita al público a interactuar con la multiplicidad de la experiencia filipinx.

Event Venue & Nearby Stays

Museum of Art and History, 665 West Lancaster Boulevard, Lancaster, United States

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